Y’a des films qui te retournent le cerveau. Des films qui te transportent temporairement sur un autre plan. « Je me souviens, je me rappelle », dans la nuit lourde, la maison est endormie. Je regarde un court métrage Ailleurs c’est ici. Oui, comme la chanson de Louis-Ronan Choisy.
Inlassablement. Encore et encore, je l’ai regardé, cet objet cinématographique. Peut-être sept fois. Sept fois comme le compte égrainé par le héros du film, atteint de troubles obsessionnels compulsifs.
Fascinée par cet étrange équilibre mis en place par le réalisateur : certaines séquences sont une invitation à ressentir, d’autres à méditer. Le peu de dialogues est très écrit, l’atmosphère de l’ensemble, rêvée.


…/…


Strasbourg Saint Denis, un soir d’été – une gouaille de titi, le verbe volontiers fleuri, l’œil vif, la malice aux commissures des lèvres – le voilà mon coupable. Qui penserait à le voir là, à débouler ainsi du métro que ce jeune homme est responsable de ce voyage tout en correspondance, dans l’Ailleurs et ici?
Thomas est réalisateur. Quand, à 8 ans, on regarde Alice au pays des Merveilles, en trouvant ce dessin animé fichtrement dérangeant, au même âge, il regardait Cria Cuervos de Carlos Saura. Ca ne s’invente pas. Un héritage paternel, raconte-t-il. Car le cinéma est familial. A travers une « famille » cinématographique, ou plus simplement, d’amis.


Vient le temps de raconter des histoires. Plus tard.
Et c’est là que ça devient intéressant. Décidément, chez l’artiste, il y a toujours quelque chose de Dr Jekyll et Mr Hyde. Sirotant tranquillement sa bière, il se marre. Thomas, le cinéphile ne s’entendrait pas bien avec Thomas Creveuil, le cinéaste. Ce qui le meut et l’émeut, Thomas, cinématographiquement ne correspond pas à ce qui sort de sa plume et de sa caméra. Sa came sur l’écran, c’est Desplechin, Garrel. Derrière la caméra, c’est du fantastique. « J’adore le cinéma social, urbain, un peu dur. Les frères Dardenne, par exemple. Mais dès que j’essaie d’écrire un Conte de Noël, c’est du fantastique qui sort. Je crois que c’est mon truc, en fait. » Les voies de la création sont impénétrables. Il ne se l’explique pas.


« Jugez-moi. A tout à l’heure »


Cinéma Max Linder Panorama, un matin de janvier. 300 personnes dans la salle. On projette Ailleurs c’est ici. Là, tendu, devant tous ces gens, Thomas. – « Merci de vous être levé à 8h du matin / Voilà ce que je fais / Jugez-moi. A tout à l’heure« .
Présenter son travail est une démarche bizarre, nous raconte-t-il.
Pudeur, impudeur. A présenter son univers, on s’expose fatalement. Le fil est ténu entre réserve et impudeur.
Mais « le cinéma est une affaire de partage ». Son idéal? « Toucher les gens. Qu’ils sortent de la salle en ayant des questions, sur eux-même ». De soi vers l’universel. Moi vers les autres.


Les autres, c’est aussi ce qui sous-tend sa manière de travailler. Si on peut être habité par ses personnages, on peut l’être également par ses acteurs, – et c’est sans conteste le cas de Thomas. Et il en parle avec les yeux brillants. Ses comédiens, il bâtit son histoire avec et pour eux. « Je construis avec eux. Tout le temps. En fonction des gens que j’ai en tête. Je les entends parler ».
Il avoue que sur le tournage d’Ailleurs, c’est ici, il a supprimé quelques séquences pour que l’équipe aille à la plage. Et à ceux qui clament que c’est un point de vue amateur, rien à foutre. Le bonheur d’être ensemble. « Etre heureux d’être là ».


« Les émotions passent par la musique »


Dans le métro parisien, un jeune homme, les écouteurs vissés aux oreilles. Les notes d’une chanson « Ailleurs, c’est ici ». Et une vision.
« Dans le métro, un soir, en écoutant cette chanson de Louis, j’ai eu la vision de la scène des femmes-taureaux (NDLR: scène clé du film). Mais vraiment tout ». Aveu d’autant plus frappant que la musique a un rôle essentiel dans son court-métrage. La voix du chanteur est un personnage en lui-même. Il scande, rythme l’intrigue. « Pour moi, au cinéma, les émotions passent par la musique ». Créer de l’image par le son. Les faire correspondre, comme par vases communicants. je me dis qu’il a raison. Et que c’est quand même très baudelairien comme idée. Vous savez, l’idée baudelairienne des correspondances. Que « les parfums, les couleurs, les sons se répondent ». Mon mystère de l’autre soir, à regarder son court, ça venait de là, en fait. Les correspondances, vous dis-je, les correspondances.


Des Correspondances aux traversées des portes de la perception, il n’y a qu’un pas. Traversées, c’est d’ailleurs le titre de son prochain projet, avec Louis-Ronan Choisy, Clémentine Poidatz et Julia Piaton au casting. L’histoire? Une société contre-utopique, après une apocalypse industrielle. « Tout est fracassé. Flingué ». Un homme, Louis, tente d’y croire. Je sais pas, vous, mais la dernière fois qu’on m’a raconté l’apocalypse au cinéma, Lars, of course, ça m’a retournée comme une crêpe. De bonne augure? Certainement!

AILLEURS C’EST ICI – Trailer from Thomas Creveuil on Vimeo.

Ailleurs, c’est ici de Thomas Creveuil. Avec Pascal Barbier, Clémentine Poidatz. 18′. Horizon Pictures – A Travers le miroir.

Ce n’est un secret pour personne: j’adore Alex Beaupain. Le 11 avril, date de sortie de l’album, connectée à Itunes Store, à minuit pétante, la touche F5 de mon clavier a manqué périr. L’entretien qui suit est donc celle d’une « geek », comme dirait l’artiste. Militants et militantes de la « bande à Beaupain » – ou juste mélomanes curieux, cette interview est pour vous.
Extraits.


Comme dans ton dernier album Pourquoi battait mon cœur, commençons in medias res. C’est voulu, cette narration qui se lance « au milieu des choses », alors que l’album retrace une histoire d’amour assez linéaire, avec ses différentes stations ?


Oui, la première chanson commence par « Et puis les plantes mortes ». L’idée dans cette chanson, c’est qu’après tout, on s’en fout de tout ça. Elle commence l’album comme on commencerait une histoire d’amour, dans un certain optimisme, un petit peu candide. En fait, elle annonce dès le départ que tout va très mal se dérouler après. L’idée était de partir sur quelque chose de très frontal, de très primaire. Avec une musique en majeur, plutôt joyeuse.


Il y a plusieurs co-signatures sur l’album: Jean-Philippe Verdin, Daniel Roux, Valentine Dutheil. Les textes sont-ils pour toi plus importants que la musique? Est-ce que tu y as plus de facilité?


En tout cas, j’aurais plus de mal à déléguer sur les textes. A lâcher là-dessus. Peut-être parce que, et tu as raison, je suis peut-être plus auteur que musicien. J’ai en tout cas plus de facilité à écrire des textes qu’à composer de la musique. Il y a quatre musiques qui ne sont pas de moi dans cet album. Ces gens, qui sont aussi mes amis, composent. J’écoute et quand je trouve ça bien, je pique. (Rires)


Et est-ce que tu pourrais t’imaginer poser ta voix sur un texte qui n’est pas de toi?


Difficilement. Parce que je ne me vis pas comme interprète. J’ai un intérêt comme chanteur quand je chante ce que j’écris.


C’est déjà arrivé qu’on te présente des textes?


Oui, oui. Ca va paraître prétentieux mais j’ai systématiquement trouvé ça moins intéressant que ce que je pourrais produire pour moi. Christophe Honoré a essayé au début. A mes débuts, il écrivait les textes, et moi, les musiques. Mais je trouvais ça moins bien.


Pourtant dans ton précédent album, 33 Tours, il y a une chanson, « Je veux »…


Oui, il l’a co-écrite. C’est un texte que j’ai corrigé. Christophe Honoré a plein de qualités. Je le dis tout le temps. Ca ne va pas le vexer. Il met en scène au théâtre, au cinéma, il écrit des scénarios, des livres. Mais les chansons… c’est quelque chose qu’il ne sait pas faire. C’est d’ailleurs une blague entre nous. Il est persuadé que les chansons qu’il m’a écrites sont des chefs d’œuvres encore jamais dévoilés. Et je suis persuadé que c’est mieux quand j’écris mes textes.


Et justement, sur « Je veux », c’était une volonté, cette touche à la Jacno ?


Oui, c’est un peu un pastiche, musicalement. Sur le texte, aussi. Ce texte a l’air comme ça très léger, mais raconte des choses très graves. C’est l’idée de vouloir plein de choses superficielles pour éviter d’avoir des choses profondes comme l’amour. Ce qu’on peut d’ailleurs retrouver dans une chanson comme « Amoureux solitaires ».


C’est curieux mais j’ai le sentiment que « Je veux » est un peu la grande soeur de certaines chansons du nouvel album. Notamment, dans cette dualité légèreté/gravité, lyrisme musical/cruauté des mots.


En commençant ce troisième album, j’avais deux volontés: aller vers quelque chose de plus pop et de plus rythmé. J’écoutais beaucoup Daho, Jacno donc forcément, c’est un univers qui me plaît. Dans 33 Tours, « Je veux » est presque une chanson à part. Une préfiguration de cette idée-là. Mais oui, très bien observé.
L’autre idée, c’était de s’ouvrir thématiquement un peu plus, et d’avoir des textes, je déteste le terme, sociétaux, voire politiques.


« La nuit promet » a été cosignée par Daniel Roux. Le Daniel Roux ? Quelle en est la génèse?


Oui, c’est Daniel Roux qui a écrit la musique. Il est décédé, il y a un peu plus d’un an. Il était bassiste. Il a longtemps travaillé avec Jean-Louis Aubert, avec Cali. C’était un ami, l’une des premières personnes avec qui je suis monté sur scène. Il y a très longtemps, Daniel m’avait donné plusieurs mélodies. J’aimais beaucoup ce qu’il écrivait. Et c’est sur l’un de ces playbacks que j’ai écrit « La nuit promet ». C’est une vieille chanson, en fait, que j’avais déjà essayé de mettre dans 33 Tours mais ça ne marchait pas. Ca part de mon amitié pour ce que faisait Daniel.


Et deuxième chose que personne n’a jamais remarqué dans cette chanson et qui me désespère absolument : « La nuit promet » est aussi un exercice formel. Un jeu sur les mots en –ar et en –ou. Mais si personne ne le voit, tant mieux. C’est aussi bien si on ne voit pas les ficelles.


On creuse encore. Dans le tout premier film de Christophe Honoré, 17 fois Cécile Cassard, il y a cette chanson, signée de toi et Lily Margot. Est ce que c’était un début de groupe? Tu pourrais t’imaginer jouer dans un groupe?


Pas du tout. Très simplement, on a composé, cosigné à trois la musique du premier film de Christophe. Il se trouve que pour des raisons contractuelles, c’est moi qui apparais au générique. J’avais tenu que dans le disque apparaisse aussi Lily Margot. Mais dans mon projet de chanteur, je détesterais être dans un groupe.
La démocratie, dans un projet artistique, ça ne marche pas. J’ai besoin d’avoir les rênes. Ca ne veut pas dire que je ne laisse pas de liberté au réalisateur ou aux musiciens mais à un moment donné, il faut que quelqu’un valide et en l’occurrence, sur mon album, c’est moi.


Mais est ce que ce n’est pas un poil contradictoire? Quand tu composes pour le cinéma, tu te mets au service du réalisateur, tu as des concessions à faire.


Quand je compose pour un film, c’est pareil. Je ne suis pas dans un groupe. J’obéis à quelqu’un qui est le chef, le réalisateur. Quand je fais un film avec Christophe, je me mets à son service. Je suis totalement dévoué. Peut-être un peu trop, parfois.
C’est atroce mais je crois beaucoup en la hiérarchie. Je suis très à gauche dans la vie mais très réac’ quand on parle projet artistique.


Peut-on parler d’une famille musicale Beaupain? Dans les crédits, il y a plusieurs noms qui reviennent. Des gens avec qui tu bosses depuis plusieurs albums : Rémy Galichet, Valentine Dutheil, Fabrice Petithuguenin, Fanny Lochu,…


Oui. Fanny Lochu, je la crédite parce qu’elle connaissait très bien Daniel Roux mais elle n’a pas travaillé sur l’album. Par contre, elle avait joué dans mon premier album. Valentine Duteil est ma violoncelliste de scène, qui m’accompagne depuis très longtemps. Rémy Galichet, je crois que c’est la première fois que je travaille avec lui. Par contre, je l’avais contacté à une époque pour l’inviter à travailler avec moi sur la musique de Dans Paris. Il y avait déjà une affinité dans le fait que je le connaissais déjà. Et tu as cité quelqu’un de très important, Fabrice Petithuguenin qui a fait absolument toutes les pochettes depuis le début. Et aussi la maquette de Serge, dirigé par Didier Varrod, que je connais depuis longtemps…


Qui fait aussi partie de…


Oui, qui fait partie d’une espèce de bande. Il a aussi beaucoup participé. C’est agréable, en fait. J’ai constitué avec mes amis, pas une Factory, mais il y a un peu de ça. Il y aussi Kéthévane Davrichewy, auteur. Diastème avec qui j’écris une opérette. Il y a mes musiciens. Ca finit par créer une bande.


Ce qui est drôle, c’est que tu travailles aussi avec les « bandes » des autres. La bande à Biolay : Nicolas Fiszman, Denis Benarrosh, Elsa Benabdallah,…


Oui, bien joué! Biolay, c’est un peu la figure de proue. Florent Marchet, Arman Méliès, Joseph d’Anvers, tous ces gens là. Je me sens plus proche de ce courant que de ce qu’on a appelé, il y dix ans, la nouvelle scène. Donc ce n’est pas étonnant si on travaille avec les mêmes personnes. C’est comme si on était plus dans une famille que dans une autre.


Alex Beaupain donnera ce soir un concert à la Cigale. Pour les retardataires, une autre date a été ouverte : le 4 novembre au Bataclan. Les dates de sa tournée arrivent !
Pour les cinéphiles, dans les salles, le 24 août, Les Bien-Aimés de Christophe Honoré.
Et merci à Thomas D., l’homme aux lunettes noires 😉


Pourquoi battait mon cœur. Alex Beaupain. Naïve. Sortie le 11 avril.


Crédits photos: Antoine Le Grand

« Il était une fois l’amour mais j’ai dû le tuer » est le Bildungsroman hallucinant et halluciné, sous acide, d’Efraim Medina Reyes, auteur originaire de Ville Immobile a.k.a Carthagène, Colombie. De ces romans, qui te brûlent les doigts rien qu’à les toucher, tant les mots sont incandescents. Frappée, tu le dévores en une nuit. Le matin venu, la plume d’Efraim Medina Reyes t’a laissé fiévreuse, un poil tourmentée mais repue.
C’est donc avec un peu d’appréhension que je m’apprête à rencontrer la « Bête », auteur de ce trip éveillé. Une heure durant, il répondra avec calme et beaucoup d’humour.
Extraits.


Commençons par le début. Tu pourrais me raconter ta rencontre avec la littérature ?


La littérature, c’est elle qui m’a trouvée. J’ai grandi dans un contexte où ces choses-là n’avaient pas d’intérêt. Je me suis d’ailleurs d’abord intéressé aux sciences. J’ai même étudié la médecine. Ma relation avec l’art s’est longtemps résumée à la musique. C’est un élément important de ma culture.
A l’âge de 21 ans, je suis tombé en dépression et ai été hospitalisé parce que ma situation psychologique était incontrôlable. J’ai pris beaucoup de médicaments. Mon psychiatre m’a alors offert quelques livres. Il pensait que ce serait une bonne idée que je lise. J’avais des problèmes d’insomnie, à l’époque. Il me les a donnés comme des somnifères. Un peu comme on donnerait de la dope à un sportif.
Parmi ces livres, il y avait « Le métier de vivre » d’un auteur italien, Cesare Pavese. Le psychiatre n’avait pas dû le lire. Pour un dépressif, ça peut être un livre dangereux. A la fin du livre, l’auteur dit que ce n’est plus la peine. Trois jours après, il se suicide. Curieusement, le livre de Pavese a eu un effet extrêmement fort et bénéfique sur moi. Je me suis relaxé. Et après l’avoir lu, j’ai pu dormir une dizaine d’heures d’affilée. Comme ça a marché, tout le monde a commencé à m’offrir des livres. De tout et n’importe quoi. Et je lisais tout. Je consommais. Peu importe. Ma mère allait m’acheter des livres. Elle ne connaissait pas grand-chose à la littérature : elle me prenait juste les plus gros.
Ce qui est très ironique, c’est que je me suis mis à lire tellement que j’ai fini par abandonner mes études de médecine. Au grand désespoir de ma mère qui, du coup, a voulu me soigner de la littérature. Et un peu comme l’homme qui au bout de plusieurs années de vie commune avec une femme, finit par l’épouser, je suis devenu écrivain.


Et ça correspondait à quelle période?


Si je me souviens bien, la première fois que j’ai écrit, c’était pour dire à une fille que je l’aimais. Une actrice de théâtre. C’était mon premier écrit: une lettre de quarante pages! Et elle n’a dû lire que les quinze premières parce que je n’ai jamais eu de réponse.
J’ai donc commencé par un échec. En tant qu’écrivain mais aussi en tant que séducteur.


Justement, la notion de l’échec dans ton oeuvre me fascine beaucoup. Dans ton dernier roman, la boîte de production s’appelle « Fracaso Limitida ». Le label que tu as créé « Fracaso Records ». Le titre, le cœur même du livre raconte un échec amoureux – « fracaso » en espagnol. C ‘est une obsession?



J’ai grandi dans un quartier très difficile, très pauvre et aussi, très violent. Les gens ne mourraient pas de faim. Mais ils n’avaient absolument rien. Il n’y avait pas de place pour l’ambition.
Avec mes amis, notre passe-temps préféré se résumait à chasser des gringas à la plage, et attaquer des gringos sur les remparts.
Avec ces amis, j’ai eu envie de monter un groupe de musique. Ca ne les intéressait pas vraiment. Mais je suis très têtu. J’ai réussi à les convaincre. Aucun d’entre nous n’avait vraiment de connaissances musicales. Mais en Colombie, si tu demandes à quelqu’un dans la rue, tu peux m’emmener sur la lune, il ne te dira jamais non. Il te répondra qu’il va essayer. On s’est donc lancés, avec un talent plus que bancal. Le nom de notre groupe en a découlé: 7 Torpes. Les sept maladroits. Alors qu’on n’était que trois.


Un peu comme les sept plaies d’Egypte ?


Mais oui, certainement! (Rires). On a joué dans des bars. Le patron nous faisait jouer à la fin parce que ça correspondait au moment où il avait envie que les gens s’en aillent. Notre premier enregistrement sur cassette – il y en avait 30 copies, on l’a intitulé « Chansons médiocres ». On a dû en vendre 9. Comme ça devenait une petite entreprise, on a décidé de lui donner un nom: Fracaso Limitada. Notre slogan: « Là où il y a un échec, nous sommes là ». Même quand ça a commencé à marcher, j’ai voulu garder ce nom parce que pour moi, c’est comme une manière de me protéger. Dans cette devise, j’y ai trouvé un peu ma manière d’ « être » au monde.


Et tu te considères d’abord en tant que musicien ou en tant qu’écrivain? Ou aucun des deux?



Quand on me propose un travail, j’ai pour habitude de répondre que je ne sais rien faire. Mais j’ai une façon bien à moi de ne pas savoir faire.
A mon sens, il n’existe pas de disciplines, d’arts ou de gens différents. Mais juste des langages. Ce qui m’importe, c’est d’ « exprimer » mon langage. Quelque soit le medium. Je pourrais tout aussi bien le faire en étant serveur dans un restaurant.


C’est quelque chose qu’on retrouve dans ton œuvre. Dans le roman, il y a plusieurs couches de narration, comme plusieurs angles cinématographiques. Plusieurs chapitres, plusieurs arts représentés. Tu sous-titres ton roman « musique des Sex Pistols et de Nirvana ». C’est un concept?



Parler de littérature, c’est obsolète. C’est comme les Italiens qui adorent le tango, en ce moment. C’est absurde! Je ne suis pas un écrivain au sens de la littérature. Je suis un écrivain au sens d’écrire. Ce qui m’importe, ce n’est pas la littérature mais écrire. Si je pouvais, j’utiliserais les mots comme des artefacts, des legos pour créer des structures.
Écrire « pour » la littérature, ça reviendrait à apprendre le tango. Il faudrait apprendre les mouvements, mais aussi les émotions. Comme si c’était quelque chose qu’on pouvait transmettre. A Rome, j’ai déjeuné un jour avec deux fans de tango. La fille n’a pas voulu s’asseoir sur sa chaise parce que ça ne correspondait pas à une posture de tango. Au fond, c’est comme si elle était dans un cercueil. Si j’écrivais « pour » la littérature, je serais aussi dans un cercueil.


Dans ton dernier roman, le héros Big Rep te ressemble furieusement. Est-ce ton double ou personnage purement fictionnel ?



La réalité est absurde. On ne peut pas faire de la réalité un langage. C’est pour cela qu’il faut fictionnaliser la réalité pour la rendre langage. J’ai eu une existence absurde. La seule chose qui puisse me faire du bien, c’est de faire du réel un objet littéraire. Un auteur ne peut pas être un seul personnage puisqu’il les a tous créés. Il y a quelque chose de moi dans chaque personnage. Si j’ai été Rep un jour, je ne le suis plus. Ca appartient au passé et n’existe plus aujourd’hui. Écrire pour moi, c’est aussi laisser les choses derrière moi, comme on sortirait les poubelles d’une maison.


Il était une fois l’amour mais j’ai dû le tuer d’Efraim Medina Reyes, à 13e Note Editions. Disponible dans toutes les bonnes librairies de France et de Navarre.


Merci à Jeanne Chevalier, co-traductrice du roman et à Isabelle Louis, les anges gardiens de cet entretien! Et bien sûr, Efraim!

Rencontrer un vrai poète. Ouais, un vrai! Ca vous est déjà arrivé? Moi, si. C'était aux premiers jours du printemps, dans une rue bruyante de Bastille. Le poète a un nom d'animal merveilleux. C'est Cheval Blanc, les amis.
Auteur- interprète de deux EP, Révélations et Révolutions, sortis en automne dernier. Deux bijoux taillés dans une même pierre. Deux oeuvres transverses se baladant entre musique et grande littérature. Le verbe est érudit. L'âme élevée. Celle de ceux qui entrent en poésie comme en religion. Instinctivement, on sait bien qu'il nous manquera toujours les clés pour « comprendre ». Mais baste, ressentons!

Entretien.

Bonjour Cheval Blanc. Pour commencer, pourquoi Cheval Blanc? Ca vient d'où?


Pour être exact, ça vient de mon premier blog, Antipunk Cheval Blanc. Et c'est devenu un pseudo, de blogueur, par la force des choses. Gonzaï a parlé de moi assez vite. Ca s'est imprimé.
Mais il y a quand même un sens.
C'est d'abord l'idée du mythe, des mythes.
Le cheval blanc est un animal qu'on retrouve dans énormément de mythes. Il est vraiment universel.
Souvent pour de bonnes raisons, souvent à la fin du monde. Dans les mythes hindous, dans l'apocalypse de Saint Jean. Ce qui m'intéressait, c'était ce symbole universel.


Un symbole, oui, mais de quoi?


C'était aussi un peu flou.
Je commençais à écrire à l'époque. J'avais une poésie aux accents prophétiques. Et c'était lié à Antipunk aussi. Je suis quelqu'un qui vient du punk. Je pensais qu'une rupture était nécessaire dans le punk et ce revival qu'on nous fait avaler à grands coups de marketing. Et qui est antinomique à l'esprit du punk. Le nom entier, ce serait Antipunk Cheval Blanc, en fait.
La collusion de quelque chose de complètement contemporain. Une sorte de mythe moderne, universel et millénaire.


Tra(ns)verses


On l'a vu, tu tiens un blog, sur lequel tu écris beaucoup. Pour autant, te définis-tu d'abord en tant qu'écrivain ou musicien?


Non, je suis musicien.
Maintenant, j'ai tendance à devenir les deux. Je n'écris pas depuis longtemps, en fait. J'ai commencé à écrire avec le blog. C'est le blog qui m'a donné la discipline. Je tente différentes expériences. Je me considère encore comme un poète débutant. Même si ça prend une part importante dans ma vie. Je passe plus de temps à lire de la poésie ou des écrits philosophiques qu'à écouter du rock. Mais je suis musicien depuis l'âge de 17 ans. Je suis d'abord musicien.


Et pourquoi avoir fait ce choix d'un blog? Mettre tes écrits en ligne? C'est une démarche à la fois très personnelle mais aussi terriblement impudique.

Complètement. C'est très paradoxal. Je suis dans la poésie. Je dirais que c'est un journal « extime ». C'est hyper narcissique et très étrange.
Je vais vous dire. Avant de commencer ce blog, j'avais des velléités d'écriture mais je n'y arrivais pas. De temps en temps, j'écrivais quelque chose. Mais j'étais bloqué. Complètement bloqué.
C'est un psychiatre qui m'a conseillé de ritualiser mon écriture.
Le blog est arrivé à ce moment-là. Etant musicien, je me suis dit, j'ouvre un blog autant pour moi que pour parler de ma musique. Et je me suis rendu compte que ce format m'offrait cet aspect de rituel, de travail mais aussi de thérapie. Tout en investissant la poésie.


Identité(s)


Et est-ce que tu vois le pseudo comme un masque?


L'identité est quelque chose qui pour des raisons personnelles, m'a troublé tout au long de ma vie.
Mon nom, je n'ai jamais pu le considérer comme un nom avec lequel j'aurais pu me présenter sur scène. J'ai un nom très complexe. Avec une histoire tout aussi complexe autour de ça. Donc, oui, le pseudo, c'est un masque.
En revanche, la question se pose encore. Si demain, je publie un recueil de poèmes, je ne sais pas comment je le signerai. Là, j'ai publié un poème dans une revue littéraire underground et j'ai signé Jérôme Suzat. Ou Jérôme-David Suzat. Je ne sais même plus. (Rires) Parce qu'à chaque fois, la question se pose.


C'est aussi l'idée, je crois que c'est Oscar Wilde qui disait ça, donnez un masque à cet homme et il se révélera.


Il y a peut-être de ça, oui. A l'époque, j'avais un projet, qui s'appelait Collage. J'avais un nom de groupe alors que j'étais tout seul. Il y a comme un masque, oui, qui part d'une envie de s'exprimer. De se montrer, de montrer son travail, avec ce paradoxe d'en être aussi traumatisé. C'est très ambivalent.


Là haut


En te lisant, en t'écoutant, la spiritualité transpire par toutes les pores de ton œuvre. Est-ce que tu dirais, toi, qu'elle tient une place importante dans ton œuvre artistique?


Oui, indubitablement. Déjà, Cheval Blanc, le mythe. Je m'intéresse à la spiritualité. Je lis pas mal de choses. La poésie mystique. Je me suis à un moment pas mal intéressé aux Evangiles apocryphes. Là, c'est le soufisme. Mais c'est aussi indissociable de la poésie, d'une certaine manière.
Mes saints, ce seraient les poètes, si vous voulez.
Hölderlin serait un saint. Mais je crois qu'il y a un aphorisme d'Hölderlin sur mon blog récemment qui dit exactement ça, qui relie la religion et la poésie. « « Ainsi toute religion serait, en son essence, poétique. » » Mais c'est aussi très intime. Ca transparaît dans mes écrits, certes. Ce sont aussi beaucoup de questions. Je n'ai pas d'affirmation.

Tes EP s'appellent Révélations. Révolutions. L'élévation?

C'est la traduction d'apocalypse, en fait. Une des traductions. L'apocalypse, c'est la révélation ou le dévoilement. Révolutions, c'est la révolution. Je les ai mis au pluriel parce que je ne crois pas à une apocalypse mais à plein de petites apocalypses. Comme je crois à tout plein de petites révolutions.
Mais c'est aussi un hommage à un grand poète français peu connu, Roger Gilbert-Lecomte, un des fondateurs du Grand Jeu. Il a écrit un texte assez important qui s'appelle « Révélation – Révolution ». C'était une sorte de clin d'oeil.


Logiquement, je ne devrais pas le dire. Il y a plein de clés que je ne devrais révéler. Qu'est ce que vous ne me faites pas dire! (Rires).


Cheval Blanc prépare un premier album, qui devrait sortir en fin d'année. Ainsi qu'un recueil. En attendant, jetez-vous sur ses EP de toute beauté, « Révélations » et « Révélations » chez Bruit Blanc.

http://www.myspace.com/22chevalblanc



à la mort du monde par jeromedavid

Il était une fois – ben, oui, on est en Belgique – dans un pays pas si lointain une jeune femme à l’oeil vif et rieur. Elle s’en allait à la conquête du pays voisin, bardé de son premier album tout de pastel coloré, Winter Hopes. Auryn, car c’était son nom, avait choisi le jour des amoureux pour présenter son précieux enfant, dans nos contrées.
Cet opus, fruit d’un labeur de plusieurs années, avait pour parrains de bien illustres noms. A son berceau s’étaient penchés le grand Erwin Autrique de l’ICP, Greg Remy de Ghinzu, Sascha Toorop, batteur de Dominique A, Christian Schreurs du défunt – et prodige Venus. Toutes les bonnes fées du plat pays avaient oeuvré. En son pays, Auryn rencontra un joli succès.
Mais la valeureuse Auryn n’en avait cure. Elle voulait « voir toujours plus haut ». C’est ainsi qu’en un beau jour de janvier, dans un café du premier arrondissement, je la croisai. Elle, l’oeil pétillant et franc. Et la langue bien pendue.

Mais quittons ce ton de conte pour retrouver les couleurs d’un Paris contemporain.

Commençons par le commencement. Quel est le début de ta « neverending story » avec la musique?


Je crois que ça a commencé… quand j’étais un foetus de deux mois. (Rires) Mes parents m’ont joué énormément de chansons quand j’étais dans le ventre de ma mère. Mon père m’avait même composé une petite berceuse. Je crois que je suis juste née dedans.
Quand on est né dedans, on ne sait pas si on est vraiment fait pour ou si c’est juste qu’on n’a connu que ça. Les années ont passé. La musique ne m’a jamais quittée.
Pourtant, quand j’ai commencé à me poser la question de ce que j’allais faire, je ne me suis pas dit que j’allais faire de la musique. J’ai fait des études de comédienne.
Mais la musique me rattrapait toujours.


En écoutant ton album, on ne peut s’empêcher de penser au meilleur d’Emilie Simon, dans sa période Kate Bush. Dans la voix, tu as des accents de Kate Nash. Tu es un peu dans la mouvance de ces chanteuses à voix évanescentes.



Oui, c’est drôle. J’ai découvert toutes ces chanteuses, après coup. Emilie Simon, je ne connaissais pas. Ca m’a d’ailleurs relativement énervé la première fois qu’on m’a dit que j’essayais de l’imiter. Alors que je n’avais jamais entendu un seul morceau d’elle.
Et on ne me croyait pas!
Une brune, au piano, qui chante en anglais. Et tout de suite, une étiquette.


J’ai toujours écouté des hommes. Jeff Buckley, les Beatles, Queen, Mike Patton. Les déjantés, tu vois. Ce n’est que très tard que j’ai découvert les chanteuses. Peut-être parce qu’en tant que femme, je suis encore plus sensible aux belles voix d’hommes.


Et pourquoi chanter en anglais?



Ma mère est prof de français. Elle a beaucoup écouté Brel, Aznavour. Pour autant, on ne passait pas nos soirées à écouter de la chanson française. J’étais plutôt dans ma chambre à écouter avec ma soeur des groupes indés. Radiohead, Blur, Oasis. On était que dans l’anglophone. Tout le temps. J’adore l’anglais depuis que j’ai quatre ans. J’ai une maîtrise ès yoghurt depuis toujours. J’attendais mon premier cours d’anglais comme on attend le père Noël. Du coup, j’avais qu’une seule envie: c’était de chanter dans cette langue.
C’est ma langue de coeur, en fait.
J’arrive à dire des choses que je n’arriverai pas à écrire en français. Parce que ce n’est pas ma langue. Je peux faire des fautes. Je peux ne pas dire les choses tout à fait correctement. C’est poétique. De pouvoir se tromper. Chercher dans les sonorités, plutôt que dans le sens du mot. Je n’ai pas envie qu’on sente une phrase mais qu’on l’entende. C’est juste physique et naturel.


Revenons à la conception de l’album. Tu t’es entourée de grands noms: Erwin Autrique (ICP), Greg Remy,… Raconte nous.



Ah oui, Erwin, c’est un rêve. Greg Remy (NDLR: de Ghinzu), c’est mon fiancé donc c’est un rêve, aussi. (Rires) Dès le départ, on avait envie de travailler avec le mixeur de Keren Ann. On ne savait pas qui c’était. Jusqu’au jour où on s’est rendus compte qu’il était à Bruxelles et à l’ICP. Les deux mixeurs avaient travaillé sur un album que j’aime tout particulièrement de Keren Ann. Erwin avait accroché avec le projet. Le producteur avait envie de trouver les personnes justes. Il nous disait: « Vous aimeriez avoir quel batteur? ». « Le batteur de Dominique A ». OK. Donc on allait le chercher.
C’était un rêve où on prenait les meilleurs ingrédients pour faire le meilleur plat.
On a aussi travaillé avec l’ancien violoniste de Venus. Il a collaboré. Il est devenu conseiller musical. Puis, arrangeur sur certains morceaux.


On retrouve totalement la patte Venus.


Dans les cordes, oui.
En fait, j’étais coincée à un moment. Ca faisait des années que j’étais sur ces morceaux. Je ne voyais plus rien. Plus comment améliorer tel morceau. Et je lui disais, vas-y, casse certains trucs. Mets-y de l’âme. Il y avait des morceaux que je trouvais un peu ronds, trop gentils.
Et lui est très sec, très rock, très brut. C’était la personne qu’il fallait.


Parlons scène. Tu es plus à l’aise, en studio, sur scène?



Les deux sont inséparables, je crois. La scène, c’est vibrant. C’est du one-shot. Tu joues. Et si t’as raté, hé ben, t’as raté ton truc. En studio, tu peux retenter, peaufiner. Mais le risque, c’est de se ramollir.
Parfaire le moindre détail. Jusqu’à en oublier peut-être l’essence.
J’ai vraiment hâte de retrouver la scène. C’est là que j’ai des émotions dingues. Parce que jouer devant des gens. Il n’y’a rien de mieux. La vibration que tu ressens,… C’est indescriptible.


Auryn sera en concert, le 17 mars, à la Fléche d’Or. Une tournée est également en préparation avec la Patère Rose.



« Winter Hopes », Auryn. AT-Music. Sortie le 14 février 2011. Dans les bacs.

Auryn « Winter Hopes » teaser from Auryn on Vimeo.

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Imaginez-vous, une soirée fraîche d’automne. Le jaune et le rouge par petites tâches sur des feuilles encore vertes. Les corps qui s’affaissent sur les chaises après une journée de labeur.  La mélodie légère du babillage, de table en table. Le cliquetis des cuillères sur les tasses de chocolat bien chaud. Paris animé. Paris gai.

Un café. Louis-Ronan Choisy en chair et en (m)ots – et en rires.

De la création artistique.  Ses correspondances. La scène. Mais aussi la vie. Extraits.

De la création en général – Qu’est-ce qui déclenche en toi « le feu créateur » ? Une situation, un sentiment, des conditions particulières ?

Il y a plusieurs cas de figure.

Quand je ne sais pas quoi raconter, je regarde dans mes souvenirs. Repère ce qui peut être intéressant. A ce moment-là, tu fais vraiment un voyage spatio-temporel. Tu essaies alors de ressentir les choses que tu as ressenties au moment où tu les as vécues. Ca, c’est une première solution.

Ou  par moments, tu es dépassé. Tu portes des choses trop lourdes. Tu as alors besoin d’écrire pour exorciser. Seulement, là, ça arrive souvent comme un gros dégueulis. Complètement informe. Mais c’est ce qu’il faut essayer de préserver. Ce côté un peu  brut, instantané. Toute la difficulté, c’est de transférer ce sang-là dans une structure de chanson. Surtout que mes chansons, ce n’est pas de la musique expérimentale. C’est vraiment de la pop. Couplet-refrain, ça reste très classique.

Dans ton troisième album, les Enfants du Siècle, tu as pourtant recours à une méthode « expérimentale », le cut-up (NDLR : technique de Burroughs).

Oui, c’était voulu, oui.

J’avais envie d’expérimenter ça. Ca s’y prêtait bien. Les Enfants du Siècle, je l’ai écrit à une période où j’avais une grande peur de l’avenir, du monde qui se barre en couilles.

Je cherchais à créer quelque chose de plutôt déséquilibré. Toujours sur le fil. Techniquement, ça voulait dire associer des mots, d’un champ lexical, d’une sphère complètement différents.

Et c’est ce qui a été la trame de tout l’album.

Un cas bien particulier alors.

De toute façon, chaque album est particulier.

A chaque album,  tu as une technique d’écriture différente. Sur le premier, c’était à partir de  souvenirs.  Le deuxième, je l’ai écrit en discothèque. Et là pour le coup, c’était vraiment de l’écriture automatique. Et sur le troisième, c’était semi-automatique. La démarche était pensée.

Et sur le dernier, Rivière de Plumes, comment as-tu travaillé ? Dans quelles conditions ?

Comme dans les Enfants…, c’était en home studio. Mais différemment. Sur les Enfants du siècle, j’ai travaillé avec un mec qui fait beaucoup d’électro (NDLR : Yann Cortella). On a d’abord travaillé en binôme. Ensuite, les musiciens sont arrivés pour apporter un peu d’organique à l’ensemble. Sur Rivière, j’ai travaillé avec mon guitariste, qui est aussi arrangeur sur l’album (NDLR : Frédéric Fuchs). On est parti d’une base guitare sèches-voix. Puis, j’ai ajouté des guitares électriques pour que ce soit un peu moins chiant.  Après le tournage du Refuge, on a décidé de rajouter de la batterie, de la basse, de la contrebasse, un peu de violon. Des petites choses discrètes pour mettre des couleurs. Que ce soit moins plat. Qu’il y ait plus d’identité à chaque morceau.

Et dans la création, est-ce que tu te fixes des limites ?  Y’a-t-il  des thèmes qui te sont tabous ?

Non.  Il me semble que le but d’un artiste, mais aussi d’un être humain, c’est de casser les barrières. S’il y a tabou, c’est que quelque chose cloche.

Il faut casser les murs. Voir si on y va ou on n’y va pas.

Après la création, il y a aussi une partie de « représentation ». La scène. Ton rapport à la scène ? Est-ce un passage obligé pour toi ?

Non, ce n’est pas un passage obligé. C’est un autre métier que de faire des disques. Je me sens plus intime du studio.

La scène, quand ça se passe bien, c’est dément. Quand ça se passe mal, c’est horrible. C’est un exercice excessivement difficile. Dans la mesure où ce que je recherche sur scène, c’est l’abandon. De rentrer dans une espèce de transe. C’est à ce moment-là que je vais pouvoir emmener les gens.  Je pense que tu n’emmènes pas un public frontalement. Mais d’abord, en s’emportant soi, puis les musiciens. Et la boucle s’agrandit. Mais c’est très difficile. Ca a dû m’arriver, dix fois en une vie. Et des concerts, j’en ai fait. (Rires)

Toi qui as touché à la fois, à la composition d’albums et de bande originale,  que peut faire passer la musique que les images ne peuvent pas forcément ?

Je n’ai pas une grande expérience de la musique de films. Pour le Refuge,  le film était assez subtil. Les émotions planquées. La grande difficulté, c’était avant tout de faire en sorte que la musique ne vienne pas piétiner les images. Qu’elle ne vienne pas foutre en l’air la sensibilité et la fragilité du film. Ca, c’était la première difficulté.

La deuxième, c’était plus technique. On avait fait le choix de ne pas avoir recours à un grand orchestre. A des envolées lyriques, ce qui aurait été un peu pompeux.  On a donc utilisé des instruments solo.  Et  là, ça relève beaucoup plus de la performance. Que le musicien soit bon quand il le fait. Et ça,  tu ne peux pas vraiment calculer.

Autre danger. Il ne faut pas non plus être trop proche des images. Sinon tu as tendance à tout alourdir. Et justement, François Ozon me demandait d’aller vers quelque chose d’assez éthéré, d’assez léger. En filigrane. Il voulait que j’apporte quelque chose d’autre.  Même si ce plus n’a rien à voir. Si par exemple, tu as une envie de courir dans les bois, tu auras ça musicalement. Les images qui raconteront quelque chose et derrière, une autre envie. Et du coup, c’est plus riche.

Une question sûrement totalement tirée par les cheveux, en rapport, cette fois, avec la spiritualité. Dans la plupart de tes albums, celle-ci semble apparaître par à coups. Quelle place tient la spiritualité dans ton œuvre ?

Dans mon œuvre, je ne sais pas. Ma musique, c’est le reflet de ma vie de toute façon. Après, est-ce que je recherche le salut par ce que j’écris ? Mon écriture lâche comme des indices sur moi-même. Mais oui, la spiritualité, je me pose des questions.

Il y a des moments où l’intellect est dépassé. Des notions comme l’exil de l’âme, la chute de l’homme, ça me parle. Je crois en l’accomplissement de l’homme. Que le destin de l’homme, c’est de grandir. De devenir un « dieu » et ensuite, d’être lumière absolue. Je ne crois pas que la vie se résume à la naissance, manger, dormir, boire, faire des enfants, avoir du plaisir et mourir bêtement. Moralement, je trouve ça absurde et c’est tellement fou que je n’y crois pas. La foi, ce n’est pas le mot. Mais c’est quelque chose que je sens au plus profond de moi. Ce n’est pas forcément explicable.

Et puis juste savoir regarder, travailler sur soi. Casser les barrières. Je crois que c’est ça, le vrai travail d’une vie.

Ce qui fatalement, se reflète dans ta musique. De ne pas parler de quotidien, de « médiocre ».

Oui, dans la musique, oui.

Chaque geste est  un sous-texte. Le quotidien, c’est une carapace, une ombre. Une enveloppe. Ce qui est intéressant, c’est de regarder ce qu’il y a dessous. Je crois que tout ce qui nous entoure, c’est de la vraie poésie. Il faut juste savoir interpréter ce qui nous arrive.

Pour finir, qu’est ce qu’on peut te souhaiter ? What’s next ?

Plein de projets. D’être heureux. De faire de beaux films et de beaux albums. (Rires). Mais le prochain, je suis curieux de voir ce que ça va donner.

Merci Louis !

Le 21 janvier, vous pourrez le retrouver au Théâtre de Poche de Béthune. Et aussi, dès aujourd’hui, dans les salles dans le film de Mikhaël Hers, Memory Lane.

Louis-Ronan Choisy, Rivière de Plumes, Bonsaï Music/Karamazov Production. Sorti en juin 2010
www.myspace.com/louisronanchoisy


Photos: M. Vandamme, AC Blanchard, myself

En juin dernier, on vous en a parlé il y a quelque temps, sortait un bien joli album. Rivière de Plumes.

Son auteur, Louis-Ronan Choisy retrouve la scène pour un concert enfiévré, lundi 15 novembre à 20h30, au Zèbre de Belleville.

A cette occasion, 5 x 2 places sont à gagner sur Arkult.

Il suffit de répondre à la question suivante:

Dans l’album Rivière de Plumes, quel célèbre peintre allemand fait l’objet et titre d’une chanson?

Vous avez jusqu’à samedi minuit pour y répondre à l’adresse suivante: contact[at]arkult.fr

Indice dans l’article suivant: Le voyageur contemplant une « Rivière de Plumes »

Premiers arrivés, premiers servis.

Et à lundi ! Youpi 🙂

Plus d’informations: www.louisronanchoisy.com

Le cheveu blond et long des princesses, l'oeil bleu et trouble des rêveurs solitaires, Joséphine est une jeune dévote, parée de son éducation d'enfant sage. Un jour, sur le chemin de l'église, elle croise le regard d'un étrange vagabond. Elle s'arrête puis reprend son chemin. Charmé, celui-ci la suit et finit par se faire passer pour un sourd-muet auprès du père de la donzelle, demandant gîte et couvert pour la nuit.
Le lendemain, il revient. Elle le suit alors dans ses vagabondages. De gré ou de force?
C'est toute la question du film.

Une métaphore de la passion amoureuse

Pauvre, sale et fruste, tout concourt à ce que Timothée soit dédaigné par la jeune première, Joséphine. Elle traîne à sa suite pourtant, comme mue par une fascination surnaturelle. Comme la maintenant de fils invisibles, Timothée, l'auto-proclamé magicien manipule son innocente marionnette. La fait ramper frénétiquement sur le sol. L'aime à loisir dans le silence de la forêt.
A sa manière, « Au fond des bois » illustre dans toute sa complexité le pascalien « mais le coeur a ses raisons que la raison ne connaît point ».
Ce qu'on appelle la passion amoureuse.
Cette étrange bête qui habite les coeurs et les corps, sortie de nulle part. Une fois logée, elle hante sa victime, nuit et jour, la laissant déraisonnable, insatisfaite, excessive et tourmentée.
Kamikaze de l'amour, Joséphine suit et obéit à ce vagabond, sans jamais pouvoir réellement se l'expliquer. Oui, comme une amoureuse.

Un conte à l'envers

A en lire le pitch, le film a des allures de conte de fées. Une belle princesse rencontre un pauvre vagabond. Il se déguise. Elle tombe en fascination. Accompagne le moindre de ses pas. Seulement, chez Benoît Jacquot, au baiser de la « princesse », le vagabond ne se transforme pas en fier et fringant prince.
Pareillement, la « princesse » ne vit pas pour toujours avec son amoureux en guenilles, subsistant d'amour, d'eau fraîche et de gras enfants.

Chez Jacquot, la Belle est enlevée par la Bête, pour se révéler elle-même Bête. C'est le vagabond qui, posant un papillon sur le front de sa belle endormie, déclenche une métamorphose inversée. Joséphine ne devient ni plus vertueuse, ni plus aimable.
A l'instar de la chenille sortant de son cocon, en suivant Timothée, elle laisse derrière elle, un temps, le carcan des conventions, sa carapace de mélancolique et d'ingénue désespérée, pour prendre la forme d'abord d'une amoureuse résistante, d'une fleur initiée aux plaisirs charnels pour enfin, se métamorphoser en maîtresse-femme, qui veut.
Encore plus pervers, Benoît Jacquot inverse les rôles. La victime devient bourreau; l'envoûteur, envoûté.

Qui de nous deux?

Posant cette question, que tout amoureux fou s'est un jour posé: dans ce jeu des sentiments, qui a envoûté qui? qui est le dupe de l'autre?
Ou n'est-ce pas là le langage même de la passion. Est-ce qu'être amoureux, au fond, ce n'est pas nécessairement hanter l'Autre et accepter d'être soi-même hanté?

Servi par une photographie, un casting irréprochables – merveilleux Isild Le Besco et Nahuel Perez Biscayart – et une bande originale effrenée de Bruno Coulais, Benoît Jacquot signe une carte du Tendre hypnotique de la déraison et l'illogique, propres à l'amour.
« Au fond des bois » narre avec trouble l'éveil à la sensualité, à l'humanité et à la passion fugace, de deux êtres que rien ne liait.

Je me demande. Pris de vertige et perdus dans les regards enfiévrés de Joséphine et Timothée, ne sommes-nous pas, nous, spectateurs, les « princesses égarées », par le charme insidieux de ce « Au fond des bois »?

Au fond des bois, de Benoît Jacquot. Avec Isild Le Besco, Nahuel Perez Biscayart, Jérôme Kircher, Mathieu Simonet, Bernard Rouquette,… 1h42. Les Films du Losange. Sortie en salles, le 13 octobre 2010.

Une odeur de soufre, des beats entêtants, Burroughs et Blake en têtes de proue inspiratrices, la détresse au bord des lèvres et des mots : Dans son troisième opus « Les Enfants du siècle », Louis, le chamane murmurait avec légèreté les amours perdues et folles, la Fin de Partie, la condition humaine, cette « machine molle ». Sombre Orphée, il perdait l’auditeur-voyageur dans le monde tortueux et décadent de 2008 – Calcutta. Facétieux, chantait mille et une façons de se donner la mort – Mourir à Venise. Contait dans une lancinante Valse la démence passionnelle, de celle qui étouffe et pousse au meurtre.


Tour à tour, victime et bourreau, le héros des Enfants du Siècle cheminait, à tâtons, la peur de l’avenir vissée au ventre, le long d’un parcours aux allures de Bildungsroman, inspiration XXIème siècle. Et nous, de plonger, enivrés, à sa suite dans cet Enfer addictif et en-chanté.
« Les Enfants du siècle », c’était lui, Louis, nous, en descendants directs des romantiques dégénérés, des Lorenzaccio et autres Perdican.

Deux ans plus tard, Louis nous revient avec un album « Rivière de plumes ».
Mais cette fois, point d’odyssée en eaux profondes. Les néons de la nuit si chers au Louis des précédents albums ont laissé place à la lumière riche des paysages anglais. Si, si, vous savez, ces paysages, tracés par Turner. La lumière pénètre partout ; elle brouille les formes et accentue les sensations.

« Rivière de Plumes », c’est un peu ça. Une invitation au voyage, où les sentiments, mis à jour par la lumière des mélodies et des mots, prendraient la matière et le caractère des éléments : tour à tour, aériens, terriens, liquides et flamboyants.


Quatre éléments

Aérien mais mélancolique, comme ce Funambule qui tient entre ses mains « une corde qui va du sol au ciel ». Une corde, parente du « grand escalier » de Mourir à Venise du précédent opus.

Terrien, comme L’homme de cire, coincé dans ce décorum industriel, les tic-tacs de la nuit qui n’en finissent plus de sonner. Un homme de cire, aux accents hoffmaniens. L’homme de cire, il se meut comme Coppélia. Coppélia en perd ses membres ; l’homme de cire, lui, pourrait fondre, « évaporé dans une flaque ». Frère, lui aussi, des Coppé-Louis du clip « La Nuit m’attend »

Liquide, comme la scène de La Rencontre, délicate adaptation du Death of a Ladies’ man de Leonard Cohen.

Flamboyant. Comme les teintes de l’amour, dépeintes tout au long de l’album.

Trois couleurs


De l’amour qui rend un peu étourdi – cet amoureux qui se rend à Copenhague, à la main « un bouquet de roses, une dague ».

De la romance, et c’est la première fois sous la plume de Louis, printanière, légère et bucolique, Les Amoureux du Printemps. La naissance de l’Amour, avec toute une découverte des sens et de l’Autre, timide mais sensuelle.

De l’inéluctable déliquescence des romances – Le Mépris, une chanson qui commence comme une ode à l’aimée pour laisser s’insinuer une cruauté glaçante. La réussite de la chanson tient surtout à l’interprétation de Louis, magistrale, qui scande, goutte à goutte, ces mots assassins du désamour. Qui « s’écœure rien qu’à l’idée d’avoir pu un jour [l’]aimer ». Sur ce thème, cette chanson n’a d’ailleurs rien à envier au fameux Brandt Rhapsodie du duo Cherhal-Biolay. L’un des sommets de « Rivière de Plumes ».

Romantisme(s)

En fait, à l’instar de Philippe Garrel, au cinéma, Louis, c’est un peu le dernier des Romantiques en musique. De ce romantisme lyrique qui nous vient d’outre-rhin, des Goethe, Novalis et Kleist. De celui qui se nourrit des élans des sentiments, de la contemplation de la nature. Tantôt tumultueux, tantôt paisible.

Louis rend d’ailleurs directement hommage au romantisme allemand, pictural, cette fois, en évoquant, sur la pochette de son album et par une chanson, le peintre Caspar David Friedrich. Une composition où l’amoureux parcourt le corps de l’amante, comme l’artiste pourrait caresser de son pinceau le paysage d’un tableau. Les corps deviennent éléments de tableaux, et vice versa. Le matériel s’éthère – le « corps est un fleuve ». Les sons deviennent « cieux ». La romance se découpe en plans. La romance brouille les pistes. Elle désoriente au point de faire perdre le nord au héros.


« Centre de gravité perdu ».




Et à nous aussi. On s’emballe. On s’enflamme. On s’émeut. Perdu dans cette belle voix grave d’héros orphique, dans ces sons tour à tour pop et folk. Fasciné par la contemplation d’un album aux sons ciselés, mais étrangement et avant tout, visuel.


« Je dois me donner à ce qui m’entoure, m’unir aux nuages et aux rochers, pour être ce que je suis. J’ai besoin de la solitude pour parler avec la nature. J’aime la nature qui s’affiche. Moi : Caspar David Friedrich. »

Nous aussi, on se sent un peu des personnages de Friedrich en puissance, à se laisser flotter dans le calme vivifiant de cette « Rivière de Plumes ».

Louis-Ronan Choisy, Rivière de Plumes, Bonsaï Music/Karamazov Production. Sorti en juin 2010

www.myspace.com/louisronanchoisy
Louis sera aussi en concert, au Zèbre, à Paris, le 15 novembre. On vous racontera.